一本适合所有层次绘画者的绘画书，哈罗德·斯皮德编著的《七天提升绘画技巧》中大量插图分解绘画步骤，清晰讲解、指导绘画技巧，使读者快速提升绘画技巧。

《七天提升绘画技巧》作者哈罗德·斯皮德为知名作家，书中分享了作者多年绘画生涯中积累的非常实用和权威的经验，对很多绘画爱好者和学习绘画的学生都有很实际的指导意义。《七天提升绘画技巧》中运用大量画作举例，使读者更加直观的理解作者所描写的技术要点。

第一章　入门

第二章　素描

第三章　视觉

第四章　线条素描

第五章　块面素描

第六章　学术派及传统派

第七章　素描研究

第八章　线条素描：实际运用

第九章　韵律

第十章　韵律：线条的多样性

第十一章　韵律：线条的统一性

第十二章　块面的多样性

第十三章　块面的统一性

第十四章　平衡

第十五章　韵律：比例

第十六章　肖像素描

第十七章　视觉记忆

第十八章　过程

第十九章　材料

第二十章　结语

附录

有人说，很明显线条的统一性也适用于画的整体轮廓，我们已经不必就这个话题再说什么了。值得说一说的是，通过精心安排，色调值的韵律美所赋予一幅画的统一性这一特别品质。

从光线和氛围的不同角度来看物体相对色度值的改变，可以发现这一改变是无穷无尽、变化多端的。这是对光线和氛围的特别研究。大自然就是一个伟大的艺术大师，她的色调组合总是包含着统一性。她努力用大气将我们美丽的城镇中丑恶的事物遮盖起来，展现给我们最美好的和谐色调，让我们的眼睛大饱眼福。人类亵渎了大自然的空气，通过乌烟来“掩饰”人类对乡村、工业城镇的亵渎。现代艺术中，对色调值的研究已经逐渐消失。

大自然中所采撷来的美好，不只是仅有和谐而已。老艺术家们满足于他们画中的一两处色调的精妙安排，而这一两处通常还没有忠实于大自然的外貌，仅仅只是为了画的和谐而和谐。色调处理得很低的天空就是典型例子。很多时期的艺术，绘画中对人体的色调处理得比天空要高，要深，这一点在肖像描绘中仍然可以看到。但只有在强光中，才会如此在大自然中呈现出来，正如在天空的背景下，高高举起你的手的这个场景中可以看到的。可能不符合这一规则的，只有在一片灰黑的暴风云中，你的手必须处在与之相对的、有亮光的天空下，被强光照亮才可以。

如果你想把中心放在人物上，然后把天空的色调处理得很高，是相当困难的。眼睛本能地看到的是画中的强光部分，如果这些块面是天空，人物在画中就显得微乎其微了。如果要把兴趣点放在人物上，最常见的做法就是将色调处理得低一点。但是这样整个氛围看起来会有一点点古板，坦白说，只有用传统的处理手段才可以。运用传统手法，就不用去管是否忠实了大自然的外在效果。如果在人物处理上，过于忠实于大自然的外在效果，那么其整个背景也要真实，忠实于大自然；但是如果人物处理只选定几处真实，那么这种处理就不属于自然主义，其背景处理就可以有更多的自由度，同时还没有过于降低逼真度。

但是大自然的色调组合有其统一性，这很难提升。如果可以，应在画作中认真研究一下大自然的特性；要基于大自然的色调，一般来说这是可以接受的。

老画家们很少在以人物为主题的作品中，尝试暮光、月光或者阳光这些效果。所有对于这些大自然所呈现的可爱色调组合的研究都是新的，它们更不寻常，为艺术家们提供了无限的新素材。很多艺术家都很满意这种简单、罕见的色调美，因为它用最简单的元素为创作提供了丰富的题材。

尽管很多人已经感觉到了这种色调的影响力，但还是很难准确地把握住。通过眼睛来准确感知微妙的色调组合是要通过努力学习研究来获得的。那么，如何进行呢？如果可能的话，教会所有人都能观察到，但这一点很难做到。在“块面的多样性”一章中，这一主题已经说得够多了，此处不再赘述。我们认为每个块面都与想象中的色调范围有关联，用黑色表示你看到的最暗光，用白色表示最亮光。通过减少光线，黑色杯子可以让你更准确地观察到它们的关系；而在强光中，你就很难观察到。

也许只有使用这个，才可以纠正我们的视觉。我们应该对自然中的杯子与作品中的杯子进行比较。观察黑色杯子，然后再将你所看到的和直接看到的作品进行比较，这不公平，因为这样只会产生没有亮度的低色调作品。

P144-145

首先，让我来猜一下，有些学生打开这本书，一定就是为了找到如何画脸、树、云或一切事物的“窍门”，试图找到让绘画水平炉火纯青的捷径，或找到几十年前就广受欢迎、而今依然被很多人深爱的技巧，但是无疑他们要失望了。成功没有捷径，优秀的作品不是这样产生的。本书旨在为学生提供非常实际的帮助；但是与维多利亚式的过时方法相比，我们所提供的方法可能对学生的智力要求更高。

通过两大艺术学校的训练课程之后，在相当长一段时间里，笔者还是不清楚绘画究竟意味着什么。学校教的就是忠实地描摹一系列物体，开始是最简单的形状，如立方体、椎体、圆柱体等等(这是开始练习绘画的极好方法，但是现在似乎被忽视了)，之后是较为复杂的熟石膏雕塑，最后是描摹人物头像以及模特摆出的造型。认真完成这一切后，眼和手就获得了极佳的机械训练；但是这还不够。当眼力训练到近乎机械精度的时候，笔者参观了欧洲大陆的美术馆，研习了早期绘画大师的作品，很快就发现，自己和这些巨匠相比，其中定有一方的绘画观念是错误的。在这些美术馆里几乎找不到作品能够“像模型一样”可以获得任意一所他所上过的学校的奖励。所幸笔者还有点自知之明，意识到可能从某种难以理解的角度来说，这些大师是对的，而自己的训练在某些方面有所欠缺。因此，笔者走上了将机械式精确绘画与艺术式精确绘画相分离的漫漫长路。

现在看来，也许是笔者资质鲁钝，所以才未能更早一点开始这段旅程。但是他接受了邀请编写此书，只为了一点尚未清晰的想法，就是避免一些学生执迷不悟以及可能走上弯路。

撰写关于经验的内容，比如艺术，很容易让人产生误解，笔者会害怕因为这种误解而降低自己的信誉。就像描写糖的味道，只有已经尝过这种味道的人才可能理解你；而那些没有吃过糖的人，只能根据你的文字漫无边际地想象。书面文字必定只限于理解的事物，因为只有理解后才产生文字；而艺术则表达不同的思想观念，文字对此只能含糊说明。尽管如此，有很多人虽不能说在某种意义上完全感受过某些艺术作品，但却毋庸置疑地具有一种强烈的渴望，只要稍加引导便可以更充分地欣赏作品。正因为如此，艺术之类的书籍还是有用的。尽管此书主要是针对练习绘画的学生，但是我们也希望它能帮助现代社会中越来越多厌倦了浮躁与争斗、想从艺术中寻求恢复活力的人。对于国内很多人来说，当代艺术还是一本尚未翻开的书；当代艺术的观点与他们从小所学的知识大相径庭，因此他们拒绝接纳。但是，只要他们克服障碍，认识到当代艺术家的一些观点，就会发现新鲜而又不容置疑的美。

如果一个人从拉斐尔(Raphael)的角度欣赏克劳德·莫奈(claude Monet)的画，他看见的将只是用乱七八糟的颜料堆砌而成的毫无意义的“胡作”。而如果一个人以克劳德·莫奈的观点欣赏拉斐尔的画，毫无疑问，他看到的将只是生硬而空洞的肖像，布景缺乏大自然本有的生动。两者之所以相差如此之远，正是由于某些绘画的观点相异。关于形态的处理，不同的观点会使作品产生巨大的差异。因此，我可以毫无愧疚地说，书中大量篇幅是关于通常被视为纯理论而遭忽略的内容；但实际上这些内容对绘画的实践是至关重要的。对想要做的事情有个清晰的构想，这是成功实施的第一要素。但是我们的展览会中充斥了观点与上述理论相悖的作品。作品显示了极大的天赋与能力，但是没有艺术头脑；图画与在学校练习描绘细心或随意摆放的物体的习作相差无几，毫无艺术美感。